„Aimez-vous Brahms” war 1959 der Titel eines Roman-Bestsellers der französischen Autorin Frangoise Sagan (1935 - 2004), der auch in Deutschland unter dem Titel „Lieben Sie Brahms?” zu einer Redewendung wurde, zugleich aber auch die Schwierigkeiten des Bildungsbürgertums mit der Musik des Komponisten zum Ausdruck brachte. Schon zu Lebzeiten galt die Musik des im ärmlichen Gängeviertel von Hamburg als Sohn eines Kontrabassisten geborenen Johannes Brahmes als nicht leicht rezipierbar. Seinem Klavier- und Kompositionslehrer in Hamburg Eduard Marxsen (1806 - 1887), bei dem der Zehnjährige Unterricht erhalten hatte, blieb Brahms sein Leben lang freundschaftlich verbunden und fragte ihn noch als etablierten Komponisten immer wieder um Rat, wenn ihn Selbstzweifel plagten. Seine Zeitgenossen taten sich mit seiner Musiksprache schwer, wie wir den Ausführungen von Hermann Kretzschmar (1848 - 1924) in seinem Führer durch den Concertsaal aus dem Jahre 1887 entnehmen können; „Brahms ist unter allen Sinfonikern unsers Jahrhunderts der Einzige, welcher Beethoven in der Logik und Oekonomie des Satzbaues, in der ununterbrochenen Gediegenheit des Materials und der Arbeit, in dem vornehmen Verzicht auf das Conventionelle erreicht. Seine Werke, naturgemäß die Sinfonien voran, sind deshalb auch nicht durchweg leicht zu geniessen.”

In Wien ansässig eilte Brahms der Ruf voraus, er selbst und seine Musik seien ausgesprochen melancholisch. Auf Joseph Hellmesberger (1828 - 1893), dem Konzertmeister der Wiener Philharmoniker, geht das Bonmot zurück: „Wenn der Brahms einmal recht gut gelaunt ist, singt zu er ‚Das Grab ist meine Freude.“

Eine besondere musikalische Gattung stellen Werke für zwei oder mehrere Soloinstrumente und Orchester dar, die sich im ausgehenden 18. und in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts unter der Bezeichnung Sinfonia concertante großer Beliebtheit erfreuten. Stets waren für eine Aufführung hervorragende Solisten ihres jeweiligen Instrumentes erforderlich. In dem Maße wie das Interesse an Aufführungen diesen von Bläsern dominierten konzertanten Symphonien abnahm, bürgerte sich der Begriff Tripelkonzert (Beethoven) oder Doppelkonzert ein. Von seiner fünften Italienreise im Sommer 1887 in die beschauliche Sommerresidenz in Thun im Berner Oberland zurückgekehrt notierte sich Brahmes erste kompositorische Einfälle für eine fünfte Symphonie, gedachte dann aber diese für ein Violoncello-Konzert zu verwerten, das er dem Cellisten Robert Hausmann (1852 - 1909) widmen wollte. Vorausgegangen waren die beiden Sonaten für Violoncello und Klavier Nr. 1 in e-maoll, opus 38 aus dem Jahre 1865 und Nr. 2 in F-dur, opus 99, die ein Jahr zuvor bereits in Thun entstanden war. Brahms Sympathie für das Violoncello geht auf eigene praktische Erfahrungen in früher Jugend zurück: „Es ist wenig bekannt, daß der junge Brahms einiges Geschick auf dem Cello entwickelte. 1895 teilte er dem berühmten Cellisten Julius Klengel [1859 - 1933] mit: ‚Sie müssen wissen, daß wir engere Kollegen sind. Als Knabe habe auch ich Cello gespielt und es sogar bis zu einem Rombergschen [Bernhard Romberg (1787 - 1841)] Konzert gebracht.”
(Bärenreiter Urtextausgabe dieser Sonate)

Die Hinzunahme der Violine und damit die Erweiterung der im Entstehen begriffenen Komposition zu einem Doppelkonzert für Violine. Violoncello und Orchester sollte der Brahms-Biographie von Max Kalbeck (1850 - 1921) folgend „den verlorenen Freund seiner Jugend wiedergewinnen helfen, und das Violoncell sich dabei als gefälliger Vermittler anbieten, das ganz persönliche Violoncell Robert Hausmanns, der den Meister um ein Konzertstück für sich gebeten hatte.”

Robert Hausmann war seit 1879 Mitglied im Joachim-Quartett in Berlin und hatte zusammen mit Brahms dessen 2. Violoncello-Sonate am 22. November 1886 im kleinen Musikvereinssaal in Wien uraufgeführt. Eine weitere Aufführung fand im Frühjahr 1887 privat bei Amalie Joachim (1839 - 1899) geb. Schneeweiss statt. Bei dem verlorenen Brahms-Freund handelt es sich um den Geiger Joseph Joachim (1831 - 1907), der sich 1884 von seiner Frau hatte scheiden lassen. Da sich Brahms im Ehestreit auf die Seite von Amalie stellte ruhten die seit 1853 bestehenden freundschaftlichen Beziehungen. Unmittelbar nach Abschuss des Doppelkonzertes schrieb Brahms am 11. August 1887 an die Pianistin Helene Freifrau von Hildburg (1839 - 1923) geb. Franz: „Ich brauche absolute Einsamkeit, nicht sowohl um mir das Mögliche zu leisten, sondern um nur überhaupt an meine Sache zu denken. Das liegt an meinem Naturell, es ist aber auch sonst einfach zu erklären. (..) Wer nun, wie ich, Freude am Leben und an der Kunst außer sich hat, der ist nur zu geneigt, beides zu genießen - und Andres zu vergessen. Es möchte auch wohl das Richtige und Gescheiteste sein. Aber gerade jetzt, da ein neues größeres Werk vor mir liegt, freue ich mich doch ein wenig seiner und muß sagen: ich hätte es nicht geschrieben, wenn ich mich am Rhein und in Berchtesgaden noch so schön des Lebens gefreut hätte.”

Brahms Kalkül ging auf und eine erste Probe mit dem versöhnten Joachim, mit Hausmann und ihm selbst am Klavier fand am 21. September 1887 in Baden-Baden statt, gefolgt von einer weiteren zwei Tage später mit dem dortigen Kurorchester. Am 18. Oktober 1887 wurde das Werk im Gürzenichsaal in Köln mit den beiden Solisten und Johannes Brahms am Dirigentenpult uraufgeführt. Auch dieses Konzert fand - wie schon das Violinkonzert von Peter Tschaikowsky - vor den kritischen Ohren des Wiener Kritikerpapstes Eduard Hanslick (1825 - 1904) keine Gnade: „Dieses Kunstwerk dünkt mir jedoch mehr die Frucht eines großen combinatorischen Verstandes zu sein, als eine unwiderstehliche Eingebung schöpferischer Phantasie und Empfindung. Wir vermissen daran die Frische und Ursprünglichkeit der Erfindung, den melodischen und rhythmischen Zauber.”

Ungeachtet der kritischen Stimmen seiner Zeitgenossen und angesichts der wiedererlangten Freundschaft mit Joachim schätzte Brahms selbst sein Doppelkonzert als ein „Stück, das ich wohl zärtlicher als andere ansehen werde, der schönen Erinnerungen wegen, die es mir verschafft.”